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松隐文阁

为草甘做兰,为木当作松,幽兰香飘远,松寒不改容。

 
 
 

日志

 
 
关于我

头上青丝成白发,得知却是无一二。常言故道,意欲何为?即不为名利之求,又不能稻粱之谋。志不求荣,身虽近俗,终其有年,读书、写字、养竹、栽松、回溯、交友,徜徉网海,只为怡然乐也,亦是余生中的精神食粮。无他求,别窘况。常事兴趣之所至,慕古人之愿:性质淡雅,为文平素,做人实朴,无机心,少俗虑,浅而清,以天为法,顺其自然。自我修行:冷眼观人,冷耳听语,冷情当感,冷心思理。恕谅,歉然!

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蔡茂友:优秀的艺术应有传统文化与当代价值  

2017-01-18 05:31:30|  分类: 47.书畫常识 |  标签: |举报 |字号 订阅

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蔡茂友:优秀的艺术应有传统文化与当代价值
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[ 摘要 ] 国画大师李可染先生曾说:“不要传统,不要生活,还说什么创新?几亿人的文明大国,五千多年的传统,这么多人的智慧创造,那么长时间的积累,这么丰厚的遗产你不要,不是最大的傻瓜么!

中国画中国味

    古老的中华民族曾为世界作出了独特贡献,今天,中国传统文化依然能以自己独特的魅力,助力中华民族的伟大复兴,推动中国梦的实现。中国画是具有悠久历史和优良传统的中国民族传统绘画,凝聚着中华民族的智慧、性格、心理、气质,以其鲜明的特色和风格在世界画苑中独具体系。国画大师李可染先生曾说:“不要传统,不要生活,还说什么创新?几亿人的文明大国,五千多年的传统,这么多人的智慧创造,那么长时间的积累,这么丰厚的遗产你不要,不是最大的傻瓜么!数典忘祖,吃完奶骂娘,什么东西都是西方的好,岂不丧失了一个中国人起码的良知?!”

    由此可见,继承和创新是一个民族文化生生不息的两个重要轮子,古今中外,闻名于世的文艺大师脍炙人口的传世之作,无一不是善于继承,勇于创新的结果,符合艺术发展规律。画的是什么,画家画这种形象的寓意是什么,正道问着艺术作品的价值所在。中国是一个爱好花卉的国家,尤其对荷花,似乎达到了情有独钟的地步,从而形成了独特有趣的中国荷文化。荷花不仅入诗,最早见于《诗经·郑风》:“山有扶苏,隰有荷华”。屈原在《离骚》中吟唱:“制芰荷以为衣兮,集芙蓉以为裳。”对荷花的喜爱简直到了愿与之融为一体的程度。王昌龄的《采莲曲》云:“荷叶罗裙一色裁,芙蓉向脸两边开。乱入池中看不见,闻歌始觉有人来。”把采莲女摘取碧池莲花的情景,描绘成一幅动人的图画。诗画相映,意趣相生。荷花是画家喜欢表现的题材,人们赏荷、咏荷、画荷。从古到今画荷名家佳作可谓层出不穷。如南宋吴炳的《出水芙蓉图》,明代沈周《莲塘浴凫图》,清代石涛的《爱莲图》,八大山人的《荷石图》,齐白石的《荷花蜻蜓图》,张大千的《彩荷》,潘天寿的《墨荷》,李苦禅的《盛夏图》,崔如琢的《盛世荷风》等名画,从不同的角度描绘荷花的冰清玉洁。

    中国画的中国味最主要表现是笔墨线条,发挥毛笔、水、墨、宣纸、等工具灵活多变的特殊性能和画家个人感性及书法艺术功力,使中国画的线条具有千变万化的笔墨趣味,形成绝妙的韵味十足的艺术线条美。画家笔墨下写意大气的墨荷或是形象逼真、色彩鲜亮的工笔荷,我们都能从中读出荷的美丽与纯洁。我相继尝试画大幅荷花《盛世昌隆十里荷香》(11米X4.3米),《十里荷风》(530cmx215cm),要画前人没有画过的大画,就意味着要创造新的画法,随着尺幅的增大,就必须解决好如何从小笔小墨到大笔大墨的转化。在创作中集中探索解决问题:首先是画的幅面大,与平时的小画不同,如没有大结构就撑不起来。要让小笔小墨变为大笔大墨。从大结构上,要求有大而简;也有大而繁。有简笔画;也有繁体画。有疏体、密体之分。有空灵的;也有满构图。主要以写意,泼墨,泼彩等。画面力避大而空,观察荷的成长过程和它的周边情况,总想有所突破能有新的表现手法来画荷花,运用荷塘的水草来弥补水面的空白;达到烟雨缥缈的境界,力求在新的表现中有点自我,使荷花有特色。整体上,有视觉冲击力。细处耐看。用恰当的笔墨,表现巨大的形象。画大画,既是艺术上的挑战,也是一种陷阱。这就反映了创作的技法的改变和创新仅仅是手段,它必须与传统相联系,其价值和标准都不能完全脱开传统的要求。

    由荷引申出来的中国“谐音文化”——在传统文化中,人们经常用一些事物的谐音来表达一些对吉祥如意的祝愿等,比如一头大象身上负着一瓷瓶,人们就称之为“太平有象”,画着桔子、柿子和如意,人们就称“吉祥如意”或“事事如意”,画着梅花和喜鹊,人们就称“喜上眉稍”,另外还用鹤来借指“贺”,鹿来借指“禄”,蝠来借指“福”,葫芦借指“福禄”,国画中荷花有很多的不同寓意象征,周敦颐的《爱莲说》为我们塑造了一个出淤泥而不染,中通外直,不蔓不支的君子形象;“一品清廉”,“莲”通“廉”,荷花寓意公正廉洁,是对清官的赞扬;“本固枝荣”,荷花枝繁叶茂,用荷花丛生比喻根基牢固,家道昌盛。再如把雄鸡借指大吉大利等,用这些谐音文化的使用来寓意和期盼生活的幸福和吉祥。我的作品多侧重中国的谐音文化作为创作主题,寓意理念是以中国画的写意精神作为支撑的,中国画的写意精神,多注重表达抽象、含蓄和寓意深远的一面,强调物象不受客观自然形象的约束,因而给寓意理念在中国画创作中准备了无限的创作空间。这种绘画的品格的具体表现就是各种艺术个体的整体性、含蓄性、和谐性。

    中国梦有魂是中国传统文化,中国传统文化的重要部分是书画,近年来,弘扬中国画的写意精神呼声时起,寓意作为中国画写意精神的一个重要元素,其在寓意与写意两种关系上转换,深刻地揭示自然之美,自然与人生的关系,借自然物象来表述人的思想状态、审美品格情操,展示对未来的遐想和期待,同时,为中国画继续传统注入勃勃生机,这是盛世中国对民族文化的精神诉求,一个多世纪的西学东渐之后,中国画坛开始重新思考中国绘画的民族精神,中国画终于走到了正本清源的历史节点。

书法有法

    一幅优秀的书法作品应具备那些条件?书法作为一种独立的艺术形态,它的传统是千古以来许多人总结的经验。传统的笔,墨,纸,无疑是创作的最佳工具。任何艺术其本身内涵都有相似的一些特征,而一种艺术和另一种艺术其文化都是相互穿插的。介于,每个人接受的文化背景及爱好偏向;人们形成截然不同的观点是可以理解的。就个人而言:我喜欢唐人的大草,喜欢它们汪洋恣肆的盛世风度,喜欢它们壮阔圆满的正大气象。为此,我对唐代大草的两件最杰出的作品张旭的《古诗四帖》和怀素的《自叙帖》进行了深入的探索。书中每一笔都应符合草法,章法布局都很有讲究,当然,在狂草的创作中,虽然也讲字法、章法规则,但又是即兴发挥的,可以在用笔、线条、结构规则的基础上展开想象进行变异或变体,这种想象能力和诡谲的应变能力正是草书作者最珍贵的素质。而我们的学习目标就是:要先看看古人是怎么做,古为今用。

    关于书法创作,我一直推崇草书,它是书法向自由表现方向发展的一个极限。我认为在创作的过程中,应包涵两个方面:一是学习经典并创造前人没有的艺术样式和艺术语言;二是以当代观念审视传统对其作深入的对照,进行个性化的解读和发挥。这具体就要落实到创作一幅草书作品的时候,首先确立自己的视觉样式。再到注意节奏变化,在结构、章法、形式组合中要有意无意地制造“矛盾”,如大小、粗细、方圆、曲直、迟速、轻重、疏密、虚实、欹正、浓淡等,然后将这些“矛盾”化解其中,字里行间中张气势,露文气,显才情,才是一幅真正好的草书作品。

    书法是有生命的,有内涵的,任何一幅书法经典,它总是思想、内容、情感和创作的最完美的结合,如王羲之《兰亭序》,颜真卿《祭侄文稿》,苏轼《黄州寒食帖》,怀素《自叙帖》,米芾《蜀素帖》等,这些名帖背后都有一段撼人心魄的情感,或者是真实的演绎和典故。书法艺术所承载的文化意蕴,不仅受到中国文化自身特性的规范和导向,同时也一直以书入高境一定是技巧、学识、思想、气质多方面融合的结果,并作为其演化、表述的内驱力量。任凭书法艺术在现代化进程中千变万化,依旧脱离不了中国传统文化的精灵。

    在书法学习和创作中,我是持传统至上论。没有传统或者说割裂传统等于是无源之水,创作便成为无缘无故的东西。当然,书法当随时代,书法创作如何体现时代精神?如何表现新的文化内容?而现代书家的知识结构、文化修养不同于古人,如何继续书法传统中蕴含的丰富内涵?这一直是我所思考的问题,更是毕生追求的目标。

青花如梦

    纸寿千年,瓷为永恒。如何创作一幅青花瓷书画作品,我思考了很多。立足中华民族的传统文化,以此作为一个切入点。从青花瓷的发明至今700多年,各个时代的青花瓷书法艺术有各种时代的特征,其艺术风格相沿成习不断更新。正如,在陶瓷上写楷隶书甚多,却难见以草书入陶瓷。当艺术更新的时候,我们也必须随之而更新,与我们所处的时代有一种休戚相关之感,有一个与之分享和被强化的精神力量,这正是人生所应贡献于时代的最令人满意的东西。所以把我的书画融进我的青花瓷作品中,而这些语言却不局限于某个朝代,应既有民族的传统元素,又要有我对青花瓷艺术创作的态度。

蔡茂友:优秀的艺术应有传统文化与当代价值

    工欲善其事,必先利其器。青花瓷的材料,它具备实验性。在当下所有的艺术变革过程中,包括国画、书法、油画、雕塑、版画,也面临着突破问题,材料使用的多元化。艺术家必先对青花瓷书法的选瓷(选坯)、釉料、设计、绘图、制作、烧成等程序要了如指掌,才能避免创作环节中的失误,而这都须反复试验才能确定。青花瓷材料的实验性,还要经过火的洗礼,丰富了很多艺术家在创作过程中的体验。这种体验有时是一种意想不到的惊喜,通过火的洗礼之后,色彩、形状都会产生变化。这种天成东西所产生的美感或者是你原来没想过的,或者是在这种形式美感中寻找更多有意义的东西。我想,青花瓷艺术不但反映出人的知识、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物,而且并逐渐演化成在青花瓷作品中表现这个时代独立的艺术风格和精神。

    有很多朋友问我,为什么我的青花瓷盘越画来越大呢?由当初的几十厘米到两米的大盘。艺术贵在超越,在于探索。观众比较注重观察作品新的视觉感受,也就是要通过不同尺寸的作品来对比,来拓宽自己以往没有的视觉新感受。我在创作直径达两米的青花瓷绘画大盘《盛世荷风》时,这已是烧制窑炉的极限了,首先要重新改造设计,之中的花费成本就很高;再到泥胚的制作,泥土不能含有任何杂质,在制作过程中起初制作出来的泥胚是2.5米的,烧制完成后收缩为2米,成功率很低,做10个能成功3个就很不错了;创作时不能立起来着画,要俯下身来对着大盘来画,体力消耗很大;要统筹全局,做到浑然一体,更是对心力的消耗。青花瓷书画创作是熟练掌握制作工艺和书画技法两者合一的一门艺术,我既不能简单地照搬古人的符号,又要打破固有的传统青花瓷的程式,从更高的视角上来创作出一件件新的青花瓷书画作品接受观众的检阅。

    关于青花瓷书画与纸本书画的脉络关系,据我对书画的创作实践与研究,更深入地体会到青花瓷中的“笔墨”之内涵有:青花瓷艺术,“以青为尚”,单色青釉为主的基础上,把我国人民最善于驾驭的毛笔用到青花瓷器上,使它显示了独特的功能,探索出比以往的印、刻花更鲜明更为大写意的“青花”,直接以毛笔蘸青花料在素胎写画,使画面呈现自然的艺术意象。当中,青花瓷书画创作与中国书画存在诸多共通之处,如何做到共通呢,我认为这两种不同艺术媒介的变化必然形成不同的视觉感受,纸本的创作,反映在宣纸上多变的墨趣,落笔即定,水墨渗沁迅速,也正是这种神奇的多变性,吸引了自古至今无数的名人巨匠在追求墨韵、变化的方面付诸了不懈的探索。青花瓷的创作,无论是釉中还是釉下,均需要遵循釉料与胎面的基本技法要求。亦谓“釉分五色”,即一笔落成,深浅浓淡,纹理可见,釉韵清晰,层次分明,控制了釉料比例,运笔疾徐有致而达到的一种艺术效果。总之,通过反复的观察,体会得到自己的独特书画语言,并掌握属于自己构图所及特殊意境的表达。一种青花瓷作品若能够触及心灵最深处,那它必然能存在其特殊的意境所及作者那份独特的精神和情感,归根到底,“艺”和“心”紧密联系在一起,才能切实打动观众。

蔡茂友:优秀的艺术应有传统文化与当代价值

    在青花瓷上绘画写字,给坚硬的材质平添一抹柔美靓丽,是中国艺术的一大表现方式。这是通过艺术家们精心创作,重新赋予古老的青花瓷新的文化内涵,并把它充分运用到人们的生活空间之中,能让人感受到使用者的生活态度、价值观念和审美趣味。毫不疑问,青花瓷书画的发展与成熟是这个时代的必然。当今时代随着科技的发展,以及制釉技术、烧制陶瓷技术的提高和窑炉的改进,青花瓷书画必然将大展异彩。

转自“ 水墨艺术交易网”微信公众号(shuimojiaoyi),腾讯文化合作媒体,未经授权,请勿转载。

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